O artista Artur Santos através de pinturas elaborados com a técnica de pastel seco sobre tela: desassossegos, a fobia do espaço em branco, nova ilusão, a mentira não está nas palavras, o giro secreto, os reinos escondidos e desassossego e de excertos de Bernardo Soares, Italo Calvino, Baudelaire entre outros torna a auscultação da alma, uma tarefa feita a bisturi espiritual...

      O corpo mantém-se, aparentemente, intacto, a alma vagueia nos seus espaços de vazio, ferida e ausência. No entanto, um rosto omnipresente, quase como um Orwelliano sedutor, interroga-nos. Quem somos nós? Que fazemos? Que mundividências carregamos e de que formas as mesmas moldam o nosso modo de ser e estar no mundo?

         As respostas cada um terá as suas. Mas a medicina interna feita pelo Artur através da sua pintura é ancestral. A cura para o que nos atormenta retira-se do veneno que nos quer matar. A não ser que nos tornemos máquinas automatizadas e inebriadas pelo vórtice da banalidade e mundanidade…
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          Cada quadro é uma cena de uma peça musical e a nossa vida um constante ensaio inacabado. Podia ser uma obra de Mussorgsky ou outro mestre russo fosse Shostakovich ou Stravinsky.

         Encontrar a forma perfeita é um exercício de inutilidade. Quem nos criou deitou o molde fora e todos nós procuramos esse momento de redenção, de encontrar o verdadeiro eu e o outro que possamos amar na mesma loucura inaugural que a morte nos libertará ou aprisionará para sempre…

      Enquanto não chega esse dia, que possamos ver nas telas de Artur, ícones heterodoxos de uma sociedade cibernética que não tem rosto ou que apenas conseguem ver uma única face…


Pinturas:

A Fobia do Espaço em Branco;
A Mentira Não Esta nas Palavras;
Desassossego;
Desassossegos;
Giro_Secreto;
Nova Ilusão;
Os Reinos Escondidos.
 
 

Há pouco tempo concretizei um sonho antigo: o de ter uma salamandra a lenha em casa.
A salamandra é em ferro forjado e tem uma grande janela em vidro, como se fora uma televisão dos anos 50. A lenha e o fogo são um mundo interminável, feito de conhecimento subtil e representam uma preciosa oportunidade de meditação silenciosa.

Encomendei meia tonelada de lenha, que o nosso fornecedor nos entregou, explicando que acompanha todo o processo, sendo ele próprio a fazer o abate e o posterior corte da madeira. Tal serve por dizer que ele ainda conheceu todos aqueles toros, ramos e lascas quando ainda eram árvores vivas e inteiriças. Ele explicou-me as características de cada um dos tipos de madeira, falando-me, quase poeticamente, sobre o aroma, a chama, o calor e as cinzas. No essencial, retive que não se pode querer tudo. Se queremos um delírio flamejante, não teremos tanto tempo de calor; se queremos perene calor, será difícil não arcar com as cinzas abundantes.

Ainda antes de acender a salamandra pela primeira vez, detive-me a simplesmente olhar aquele muro de lenha impecavelmente empilhado e ordenado, no seu improvável e frágil equilíbrio, apreciando a alternância do carvalho com a oliveira. Apercebi-me de que aquela poderia ser uma síntese das duas paisagens-matriz da minha vida: a de Trás-os-Montes e a do Alentejo.

Acender o lume, mesmo com a abundância de tecnologia de hoje, ainda é um desafio e um ritual quase alquímico. Aprecio, em especial, o quanto o fogo respeita as hierarquias, como se fora um exército napoleónico: começa em lascas, pico, pequenos ramos e pinhas, de onde se propaga a ripas, nobres troncos e toros. A final, tudo se mistura em braseiro e acaba por fundir em cinza, já não sendo possível compreender onde começou o fogo. Há uma profunda justeza nesse desfecho total, sem tréguas nem ambiguidades. Poucas coisas são tão limpas como a cinza. E como não adorar a sua textura leve e quase diáfana?

Passo horas a fio a simplesmente fitar o fogo, como se tratasse sempre de uma narrativa única e irrepetível. Aquele fogo pode ser um império, uma relação, uma existência, uma vertigem ou uma morte. Gosto de compreender porque é que alguns pedaços de madeira tardam a arder ou enjeitam mesmo as chamas. Cedo me apercebi de que os cavacos pegam fogo entre si quando faceados pelo lado do golpe. O que significa que se unem pela chama do mesmo modo que o fazem após as enxertias. Enquanto espreito as labaredas, os tons, os cambiantes de luz e de cor, projecto-as na vida, na minha e na dos meus, bem como no mundo que me rodeia. E, de certo modo, tudo me parece um pouco mais natural, límpido e apaziguado. Talvez seja por isso que, desde antanho, o homem fita o fogo, como se fora a primeira vez.
Quando acendo o fogo e me aqueço, eu sinto-me mais rente a tudo e mais despojado de excessos. E reconheço a verdade no verso da canção dos Pink Floyd:
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“When I come home, cold and tired, It´s good to warm my bones beside the fire”.  


Carlos Miguel Rebocho

CRÉDITOS FOTOGRÁFICOS : ALÍPIO PADILHA

Rui Catalão (RC) é actor, dramaturgo e encenador. A conversa que se segue resultou de um generoso contributo que deu à Estante do Porteiro (EP).
 
EP: Qual o momento fundador em que descobriu que queria seguir as artes de palco?

RC: Foi quando comecei a trabalhar com o João Fiadeiro em 1999. Ele na altura estava a desenvolver uma metodologia de trabalho, a composição em tempo real, e fiquei fascinado com essa ferramenta. Não se tratava de preparar algo para depois representar, mas de criar as condições para fazer uma pesquisa em palco, à frente do público. Na primeira peça em que trabalhámos juntos, “O que eu sou não fui sozinho”, ele convidou-me para o apoiar na dramaturgia, mas acabei por entrar em palco. Tudo partia de uma conversa informal, em que eu explorava as minhas memórias, e as coisas que partilhava com o público não eram preparadas, aconteciam ao vivo, em tempo real. O próprio exercício da tomada de consciência acontecia em palco, já durante os espectáculos, e a partir daí exploravam-se áreas ainda mais estranhas, como o processo do inconsciente a levar-nos por caminhos em que eu nem fora do palco alguma vez me atrevi a ir. Para mim foi uma experiência perturbadora e surpreendente, mas que ao mesmo tempo me deixou muito curioso. Havia uma série de dimensões da minha psique, do meu corpo, da consciência ou falta dela que tinha da minha identidade e da minha imagem que eu desconhecia e que, em palco, perante um público, vinham à superfície. Durante esses três anos em que trabalhei com o Fiadeiro, fui convidado para trabalhar com um bailarino romeno, Manuel Pelmus. Trabalhei com ele e os seus bailarinos em Viena, Bucareste e Paris. Depois, quando voltei, fui convidado por outro coreógrafo, o Miguel Pereira. Então apercebi-me que estava a criar um enorme caixote do lixo de ideias que não estavam a ser exploradas. Foi quando decidi reciclar essas ideias e comecei a fazer o meu próprio trabalho.

EP:Algum actor, realizador ou dramaturgo que o tenham influenciado no seu percurso criativo?

RC: Inicialmente foi mesmo só o Fiadeiro. Mas depois comecei a pensar como abordar o meu teatro.Tinha a ideia de que a principal matéria era para ser trabalhada ao vivo, recorrendo à memória do momento, ao instinto, à relação de partilha com o público, e como é que as pessoas muito concretas que estão à tua frente te vão condicionando. Mas isso tinha de ser preparado na mesma. Comecei então a estudar, de forma mais analítica, alguns artistas que sempre admirei:o trabalho de Kiarostami, na forma como manipula actores e não actores, dirigindo-os já à frente da câmara; o filme de Victor Erice “O sol do Marmeleiro”, sobre o pintor Antonio Lopez, e a forma como ele tenta acompanhar no processo de pintura o crescimento da árvore que lhe serve de modelo; os filmes de Ozu, por se concentrar no mesmo universo de personagens de subúrbio das minhas histórias;Nabokov e Proust, pelo trabalho sobre a memória a partir de associações e acasos; Mizoguchi, pela forma como explorava dramaticamente a composição cénica, as movimentações e a gestualidade no espaço; Pedro Cabrita Reis, pelo uso de materiais disponíveis, que se encontram ao acaso nos locais de trabalho, e que são reciclados para a cena. Finalmente, de todos os mais importantes: John Coltrane, Charles Mingus e Eric Dolphy. Partindo de frases muito simples, quase elementares, eles improvisam depois, explorando soluções formais, a memória da sua relação com a história da música, mas também a ideia de uma “escrita” que vive da espontaneidade do momento, e que também desenvolve os seus próprios temas, motivos, padrões, digressões, etc. Em cada trabalho concentro-me num diálogo com outros artistas e linguagens, mas seria saturante mencioná-los a todos.

EP: Quais os projectos que neste momento está a trabalhar? E quais aqueles que mais gostou de criar e /ou participar?

RC: estou agora a preparar um monólogo com o Joãozinho da Costa, um intérprete com quem venho trabalhando há perto de 4 anos e que já entrou em outras quatro peças que fiz. Será um solo baseado nas suas experiências de vida, e em que eu lhe proponho a criação de frases coreográficas a partir de temas de jazz, nomeadamente do “Giant steps”, do Coltrane. O Joãozinho também deu passos gigantes. Primeiro porque é muito alto, tem quase 2 metros, e depois porque vem de muito longe, nasceu na Guiné, e já fez muitas coisas.
As minhas peças partem sempre de motivações muito pessoais, e por isso são todas especiais para mim. Mas o solo “Dentro das palavras” (2010) foi a peça em que eu descobri o meu teatro, o meu estilo, as minhas ideias e caprichos. No que respeita a colaborações com outros artistas, recordo sempre com muito carinho “Untitled/Still Life”, com a Ana Borralho, o João Galante e o Cláudio da Silva. Esse trabalho resulta de uma herança de termos trabalhado juntos no “Existência” (2002), com o Fiadeiro, e é assim a nossa versão a 4 da composição em tempo real. É uma peça em que os intérpretes estão - como dizê-lo? - camuflados entre o público, e vão convidando as pessoas para uma sessão de fotografia. O espectáculo é a criação de um álbum de família, já que tudo o que vai acontecendo nos permite criar uma relação de proximidade com os espectadores.

EP: Como diagnostica o panorama das artes em Portugal?

RC: Não posso fazer um diagnóstico porque só consigo acompanhar algumas coisas, muito poucas. O meu trabalho absorve-me cada vez mais e não tenho uma perspectiva geral do que se passa à minha volta, que é muito. Sinto talvez que há demasiadas propostas para o público que existe, e para os recursos disponíveis. Há demasiados trabalhos a serem apresentados uma vez e depois a desaparecerem, sem que haja um público, um discurso crítico a fazer a sua digestão. A ter condições para avaliá-lo. Chegou se calhar a altura de as cidades investirem mais na manutenção e recuperação dos equipamentos existentes, e em financiarem programas que promovam não apenas a apresentação de espectáculos, mas também uma relação mais orgânica com o público, que envolva formação e participação em projectos artísticos. A sociedade moderna depende cada vez mais de soluções criativas, e isso não é um talento inato, é mesmo uma prática que se desenvolve, é um modo de nos relacionarmos com os problemas e oportunidades que se nos apresentam.
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EP: Muito obrigado, Rui.
 

​Dalí once said: “Si muero, no muero por todo,” or “If I die, I won’t completely die.” Thirty years after his death, his words take on a new meaning at The Dali Museum in St. Petersburg, Florida. "Dali Lives" uses artificial intelligence to let visitors experience his bigger-than-life personality in an up close and personal way. Dali Lives – Art Meets Artificial Intelligence. Debuts April 2019 exclusively at The Dali Museum. Song: Insight XXX by Julien Marchal (Sacem/France), from Album: Insight III. Represented by: Visions from the roof

​The Teta stool/The Anca stool /The Coito stool
Designer Pedro Venzon

Saturno,  Marte, Vénus e Júpiter 

Galáxia M104 e  galáxia M51 localizada a cerca de 27 milhões de anos-luz da Terra.

Créditos: Nasa

​Wolfang Amadeus Mozart nasceu a 27 de Janeiro de 1756 em Salzburgo. O pai Leopold cedo percebeu que o seu filho era um génio musical. Aos 5 anos, Mozart memorizou em meia- hora uma obra musical e ainda não tinha seis anos quando anotava no seu caderno escolar as suas primeiras composições musicais. O facto de seu pai o acompanhar em inúmeros concertos junto da aristocracia e realeza europeia , de ser fortemente aclamado por todos, também o expôs a inúmeras doenças infeciosas , contribuindo para uma saúde precária. Privou com Haydn e encontrou-se com Beethoven que foi bater à sua porta. Autor de uma obra profícua e extensa , os últimos anos foram de penúria e sofrimento tendo morrido pobre e na solidão. Uma situação de vida clássica entre os sobredotados , que raramente são reconhecidos como deve ser em vida devido às invejas e mediocridades dos instalados… . Sem nunca ter ficado provado, existiam rumores que tinha sido o seu rival António Salieri que o teria envenenado , embora o diagnóstico médico oficial tenha sido “ febre miliar aguda” Morre a 5 de Dezembro de 1791 com 35 anos de idade. É enterrado numa vala comum do cemitério de Sankt Marx de Viena. A música de Mozart abre caminho à inquietante estranheza do ser que Freud , mais tarde, preconizaria. Uma música pontuada de variações sensíveis que pautam as emoções e sentimentos humanos. O maior de todos, uma vez que a sua música é intemporal e eterna!
Sinfonia n.º 41 , KV 551
O allegro vivace mostra o tom pletórico e grandioso com a intervenção das trompetas e dos timbales. O andante cantabile , em contrapartida, prescinde dos metais e dos timbales e move-se todo ele em dinâmicas baixas, exceptuando uma breve secção em que domina uma certa agitação , estamos perante um andamento de uma poesia subtil e contida , que desprende uma sonhadora melancolia , uma sensação de nostalgia, de anseio por algo indefinido e indefinível. O menuetto recupera a graça e a elegância e o finale , um andamento que une a forma sonata dos mestres clássicos como Haydn, com a fuga tão cara aos mestres do barroco como Bach.
Fonte: Deutsche Grammophon

 ​Franz Joseph Haydn nasceu a 31 de Março de 1732 na aldeia austríaca de Rohrau. Tinha dezasseis irmãos e três dedicaram-se à música. Na primavera de 1740 mudou-se para Viena. Os primeiros anos foram de provação e de instabilidade amorosa. Não tendo sido correspondido por Therese Keller , casou-se com a  irmã desta Maria Anna , sem antes ter ingressado no Convento de São Nicolau em Viena. Foi nesta cidade que conheceu os maiores sucessos. Contemporâneo de Mozart , com ele veio a firmar uma forte amizade. Embora a sua cidade de sempre tenha sido invadido pelas tropas napoleónicas, Haydn nunca deixou de tocar cravo . Faleceu a 31 de Maio de 1809  e no seu funeral ,apesar da ocupação francesa, ouviram-se alguns acordes do requiem de Mozart, precocemente desaparecido da vulgaridade do mundo em 1791.
 
A Criação:
 
Uma peça oratória com um texto baseado no poema de John Milton paraíso perdido , preparado pelo barão Gottfried van Swieten, um admirador do oratórios ingleses de Haendel. A criação pode ser considerada uma das obras cimeiras do legado haydiano, não só no que respeita à qualidade da música , mas também quanto a resumo do seu ideário humanista, expressando também na sua filiação maçónica.
 
Destaca-se a terceira parte , centra-se em Adão ( barítono) e Eva ( soprano) no Paraíso. O dueto “ Holde Gattin, dir zur Seite” é uma das páginas mais belas de toda a partitura , um dueto de amor que não esconde uma certa sensualidade  que, na altura e nos círculos mais conservadores da igreja católica . pareceu indecente. Haydn, que sempre foi crente , mas sem dogmatismos, quis expressar nesta delicada música a sua fé na união do homem com os seus semelhantes e com a natureza , uma união, que no fundo, é uma promessa de felicidade. Este oratório é uma sínteses única da ciência musical e a profundidade do sentimento religioso de Bach , a pujança expressiva de Haendel e a sensibilidade poética de Mozart.
 
Fonte: Deutsche Grammophon

      Johann Sebastian Bach nasceu a 21 de Março de 1685 , em Eisenach, no seio de uma família de músicos. O seu primeiro posto de trabalho foi em Arnstadt , em 1703, como afinador e restaurador de órgãos de igrejas da cidade. Durante a sua vida ocupou o cargo de organista em vários locais. Experiências que lhe permitiram dotar as suas composições de uma notável aura mística. O clima pietista permitiu, também,  ao crente anónimo a abertura de uma via directa para Deus pela música celestial de Johan Sebastian. Todavia, não descurou a vida terrena e teve sete filhos com Mária Bárbara Bach . Nos últimos  anos de vida foi acometido de uma crescente cegueira e acabou por falecer em Leipzing , onde foi sepultado no cemitério de São João.
 
Concerto n.º2 em  Fá Maior , BWV 1047
 
O brilho sonoro está presente neste concerto instrumentado para violino, oboé, flauta de bisel e trombeta solistas, mais cordas e contínuo . A habilidade de Bach  aqui, consiste em conjugar numa mesma partitura, instrumentos de timbres absolutamente díspares . Assim , o primeiro andamento é um verdadeiro alarde de sabedoria contrapontística , com os temas principais apresentados alternadamente pelos diversos instrumentos solistas sob o fundo mais modesto e rítmico de tutti. O segundo, em contrapartida , é um prodígio de expressividade pela música de câmara, requintada , recolhida e íntima , em que os instrumentos parecem dialogar entre si. O carácter espectacular regressa no andamento final , com o tema principal apresentado pela trombeta , que assim adquire um relevo que já não abandonará até ao último acorde
 
Fonte: Deutsche Grammophon
 

António Vivaldi nasceu a 4 de Março de 1678 , em Veneza. Foi ordenado sacerdote em 1703, embora tenha tido abandonado a carreira eclesiástica pouco depois por doença. Foi professor de violino no Ospedale della Pietá , um conservatório para raparigas órfãs. Mantinha uma intensa actividade com o Teatro Sant`Angelo, onde imensa óperas eram  interpretadas. Foi igualmente afamado compositor e empresário de óperas. Entre 1725 e 1728 estreou oito óperas em Veneza e Florença. Em  1725,  publicou em Amesterdão , Il cimento dell`armonia e dell`invenzione , monumental compilação de 12 ciclos de concertos , em que se incluem as universais quatro estações. Morreu na penúria.
 
As “ quatro estações” abrem com a “ Primavera”  concerto em mi maior, rv 269 dividido em três andamentos , segundo o esquema rápido-lento-rápido , onde domina a atmosfera pastoril e bucólica . O violino solista em breve ataca a imitação do gorjeio dos pássaros , enquanto a orquestra parece insinuar o correr dos regatos, o rumor do vento ou o zumbido dos insectos . O ritmo saltitante que caracteriza este primeiro andamento cede o seu lugar a uma belíssima melodia que o solista desenvolve no largo central , acompanhado apenas por um motivo das violetas que sugere o latido do cão que guarda o sono do seu pastor . O allegro final recupera a atmosfera do início com , com a imitação , por parte da orquestra, do inconfundível som produzido pela gaita , um instrumento especialmente adequado à festa popular que se pretende pintar.
 
Fonte: Deutsche Grammophon

Foto de António Vivaldi, domínio púbico, Vista de Veneza, @ Jon Bagt